Entrevista

ENTREVISTA TATIANA MOYA PARA SPACIO NOMADE - Nowness

ENTREVISTA TATIANA MOYA PARA SPACIO NOMADE - Nowness

Tatiana tu obra es de alguna manera una síntesis del paisaje, y por otra parte, está recurre muchas veces a la mancha y el trazo, sientes que hay una tradición pictórica detrás de tu obra. Estoy pensando en el tachismo como tal o el informalismo gestual, (Hans Hartung por ejemplo) o más asociado al expresionismo abstracto Mark Tobey por ejemplo que hay de ellos en lo que estás haciendo. 

Mi obra es una síntesis del paisaje, y si, cuando aprendí a ver la totalidad y liberarme de los detalles, comenzó un proceso de síntesis.

Del Tachismo, puedo rescatar el construir una obra sin una imagen clara y preconcebida, surge de manera espontánea e intuitiva. Las zonas se van definiendo a medida que se van fijando los planos y los ritmos van dictando el siguiente paso.

Hay mucha influencia del expresionismo abstracto. Me enamoré del trabajo de Joan Mitchell, Lee Krasner, Clyfford Still, y admiro a cuánto artista encuentre un modo propio con el material, que desarrolle su propio lenguaje con el cual presione y lleve a los límites para obtener un resultado totalmente nuevo.

 

Para mi ha sido un proceso de investigar y descubrir, observar mucho... es increíble la cantidad de imágenes que hoy digerimos en las redes sociales; por ejemplo, arte aborigen australiano, Yayoi Kusama, Alma Thomas y la sobriedad del movimiento Dansaekhwa. 

De esta observación identifiqué una unidad que corresponde al detalle, su comportamiento individual y cómo se relaciona con las otras unidades para conformar la totalidad. Este descubrimiento ha ido configurando un nuevo relato desde su materialidad y, nutriéndose de lo más próximo que tengo, el mundo vegetal.

¿Sientes que hay una especie de paralelismo con tu obra y  lo que conocemos hoy como el movimiento Dansaekhwa? Pienso esto y quiero ponerlo en contexto. Claro, si bien es cierto muchas veces se cita al minimalismo como una suerte de comodín cuando vemos obra de alguna forma monocromatica o en la pintura de campos de color. Y en esto creo que se diferencian, el primero (me refiero a la pintura Coreana de los 60 y 70) se centró en la naturaleza y dejó atrás la lógica del modernismo, y esta última fue la base del minimalismo. En muchas de tus obras se puede sentir la naturaleza, y por otro lado prestas particular atención a la propiedad de los colores…

 

No se puede hablar de paralelismo, provengo de una realidad cultural muy distinta a la de ellos por lo que resultaría inadecuado.  me puedo referir a lo que  he encontrado en los trabajos de este movimiento y que son lecciones increíbles, que me han ayudado a integrar conocimientos de la forma más pura y clara. El respeto por los materiales y la tradición de estos, la búsqueda de un modo... y la insistencia de trabajarlo dentro de sus propias reglas, esto es algo esencial para desarrollar cualquier tipo de trabajo artístico. 

Tener claro en qué campo te estás moviendo, el cual lo defines con tus propias reglas de construcción y extremar las posibilidades a través de la insistencia con la finalidad de encontrar una nueva verdad que hable tanto de la materialidad como el modo de usarla es la clave para mí.  La libertad la encuentras en ese lugar, porque te permite infinitas posibilidades logrando armonía, coherencia. 
 

¿Tu obra traduce el color de la atmósfera? ¿de dónde surge esta fascinación por la mancha y el color?, y ¿Cómo ha evolucionado esto en tu obra pictórica? 

Para mí, el color es melodía, aroma, sabor, emoción. De niña mirando las flores, el cielo, las lanas. Recuerdo que a los 5 años me regalaron una caja de 24 colores, un sueño y todavía recuerdo un verde turquesa que me gustaba mucho por su particularidad. Era un verde distinto al color del pino del centro del jardín de mi abuela.

Después en la católica, el taller de interacción del color de Eduardo Vilches me marcó como a la gran mayoría. Descubrir cómo se relacionan los colores en armonía, sumándose o todo lo contrario fue definitorio. Más tarde Adolfo Couve nos habló de los pintores del “Color valor”, y me sentí identificada (suena arrogante, pero así fue). Aunque sólo con la monocromía he podido entender la totalidad de las cosas y las relaciones de armonía y tensión. Al mirar mis obras, pienso que aún puedo aprender más en ese aspecto.

¿Tienes algún proceso o metodología, de trabajo para descomponer visualmente lo que estás viendo y cómo llegas a esto? Recuerdo la obra de Paul Klee, Nueva Armonía o New Harmony que dio pie a todo un proceso dentro de la historia del arte...

Sí, Paul Klee fue un gran visionario, sus cuadernos son muy entretenidos, muestran la metodología en su trabajo y nos deja esa gran tarea de investigar, de estar atentos a todo lo que ocurre en el plano. 

No utilizó imágenes preconcebidas, tampoco me inspiro en un paisaje en particular, éstas se van armando en el transcurso de la construcción. Creo que me inspiro en mi modo de entender cómo funcionan las reglas de la naturaleza, y la metodología que he ido descubriendo y desarrollando como una respuesta a las circunstancias que aparecen en frente. Creo que la deconstrucción se produjo antes, en mi cabeza, cuando hice relaciones y metáforas de lo que estaba observando. 

Para la armonía cromática trabajo con un número reducido en la paleta y todas las combinaciones que ésta me otorga, así queda todo en familia con el mismo ADN.

Creo que toda obra es el registro final del conjunto de acciones impresas en el soporte. Es un espacio tiempo que ya sucedió, en donde hubo sentimientos, ideas y mucho inconsciente fluyendo. Y luego, esta obra se muestra como espejo para quien la mire y quiera interpretarla desde su propia vivencia. Es allí entonces donde todos los elementos deben funcionar.

 

Entrevista a Tatiana Moya 
Curador Francisco Javier Paredes

Artista Visual

Santiago, Chile 2020

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